La luz ha estado presente en el arte durante siglos. Pensar el barroco o el gótico sin este elemento sería imposible. Sin embargo, fue en el siglo XX cuando los artistas comenzaron a explorar las cualidades de la luz y las transformaron en su propio medio para materializar el arte. Esculturas, instalaciones inmersivas y formas de modelar el entorno a través de la luz, sus colores e intensidades, trajeron nuevas percepciones espaciales al trazar una relación única con la arquitectura.
Cuestiones que van más allá de la estética o el espacio, enfatizando temas políticos, identitarios y de memoria son abordados por los artistas a través del uso de la iluminación en el ambiente. Acciones que revelan otras formas de apropiación del espacio y las potencialidades existentes en cada ocupación. Ante tales obras, es posible inspirarse para pensar cómo la incorporación de cualidades lumínicas puede influir en la imagen de la propia arquitectura. Así, destacamos a diez artistas que, a pesar de diferentes enfoques, tienen la luz como principal medio de creación de sus obras y revelan, a partir de ella, nuevas formas de apropiación e intervención de los espacios.
Carlos Cruz-Diez (1923 - 2019, Venezuela)
Uno de los pioneros en trabajar con iluminación, Cruz-Diez fue conocido por sus contribuciones a los movimientos Kinetic y Op Art. Enfatiza la importancia de la luz en la creación del color desarrollando el concepto de "inducción cromática". Entre las obras más célebres se encuentra la serie Cromosaturaciones: instalaciones inmersivas que consisten en habitaciones llenas de luces de colores, en las que el espectador puede experimentar el color como un fenómeno físico y sensorial, más que simplemente visual.
Dan Flavin (1933 - 1996, Estados Unidos)
El trabajo de Flavin es conocido principalmente por las lámparas fluorescentes en instalaciones que enfatizan las cualidades físicas y perceptivas de la luz. Sus arreglos a menudo se instalan en una cuadrícula o formación lineal, a menudo en diálogo con el contexto arquitectónico. Una obra que explora la creación de colores brillantes y saturados mediante la manipulación del espacio a través de la luz y la sombra.
Fred Eversley (1941, Estados Unidos)
El trabajo de Eversley a menudo se describe como una fusión de escultura, óptica y ciencia, hecho de resina fusionada con otros materiales, lo que da como resultado una superficie lisa que refracta la luz, creando un juego de colores y efectos visuales. Cada interacción genera una nueva imagen dependiendo del ángulo de la luz y la posición del espectador. Así, se rompe la naturaleza estática de los objetos. Dice que crea "instrumentos ópticos" diseñados para revelar las propiedades ocultas de la luz y su interacción con diferentes materiales.
James Turrel (1943, Estados Unidos)
James Turrell es uno de los artistas más importantes a la hora de trabajar con la luz como material. Cuando utiliza formas geométricas e iluminación cuidadosamente calibrada, Turrel crea entornos inmersivos mediante la manipulación de la luz, la creación de marcos y un juego de colores que se relacionan con diferentes estructuras arquitectónicas.
Anthony McCall (1946, Reino Unido)
Anthony McCall crea instalaciones inmersivas que desdibujan las líneas entre escultura, cine y performance. Su trabajo implica el uso de luz proyectada para crear formas escultóricas y entornos interactivos que invitan al espectador a interactuar con la obra.
Jenny Holzer (1950, Estados Unidos)
Conocida por frases impactantes y manipulación de la luz en sus obras de arte, Jenny Holzer crea instalaciones a gran escala que presentan cuestiones de identidad, género y violencia política. Su trabajo no siempre ocurre en los museos; cuando se realiza en espacios públicos, gana una nueva esfera al llevar los mensajes a todos los transeúntes y transformar el entorno. El uso de proyecciones o tiras de LED es una marca registrada del artista, quien utiliza dichos elementos para elaborar un contexto específico donde se instalan las obras.
Kimsooja (1957, Corea del sur)
Mediante el uso de espejos y filtros reflectantes, Kimsooja crea una sensación de espacio continuo y telúrico, transforma el entorno a partir de los colores que aparecen y enfatiza la continuidad entre el interior y el exterior, sugiriendo nuevas potencialidades en el espacio para quienes lo atraviesan.
Anila Quayyum Agha (1965, Pakistán)
El trabajo de Agha a menudo involucra patrones geométricos, creando instalaciones visualmente impresionantes y conceptualmente ricas cuando aborda temas de identidad, cultura y género. Su obra Intersecciones, que es un gran cubo de paneles de madera cortados con láser suspendidos e iluminados desde el interior, cobra aún más fuerza por el contraste que genera la sombra que baña todas las superficies. Es un ejemplo de cómo la composición entre el arte y la arquitectura puede plantear preguntas sobre los límites culturales, que pueden ser tanto divisorios como unificadores.
Olafur Eliasson (1967, Dinamarca)
La luz se puede utilizar de forma más dinámica e interactiva. Eso es lo que demuestra el artista danés al crear objetos e instalaciones a gran escala que incitan al espectador a moverse e interactuar con la obra. Su trabajo a menudo utiliza la luz para crear ilusiones y distorsiones ópticas. Además, Eliasson también incorpora elementos arquitectónicos como espejos, lentes y prismas para reflejar y refractar la luz de formas inesperadas.
Rafael Lozano-Hemmer (1967, México)
A través de la tecnología y la luz, el artista mexicano logra crear instalaciones interactivas que intensifican la relación entre el individuo y el espacio. Una de sus obras más famosas es Pulse, en la que se invita a los espectadores a colocar sus dedos sobre un sensor, que mide los latidos de su corazón y hace que las bombillas parpadeen al ritmo de su pulso, tal efecto permite que las personas vean y sientan la presencia física de los demás en el espacio, creando una sensación de conexión y experiencia compartida.
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